El momento en que una figura dentro de la vitrina se ve diferente en redes sociales
En el verano de 2019, por primera vez una foto de una de mis figuras superó los 500 retuits en Twitter. Era la reedición 2016 de Hoshino Ruri escala 1/7 de Good Smile Company. Varios comentarios decían que la foto se veía mucho más bonita que el objeto real en la vitrina. Hasta ese momento yo solo había tomado fotos con mi smartphone sin más, pero me di cuenta de que ver el objeto real frente a la vitrina no transmitía ni la mitad de esa emoción. ¿Por qué la impresión de la misma figura difiere entre la foto y el objeto real? Yendo directo al grano: la dirección de la luz, el control del fondo y el efecto de compresión que crea el lente de la cámara cambian por completo la impresión de una figura.
En una vitrina, la luz entra desde todos lados: el techo, las ventanas, la luz reflejada de la pared opuesta. En cambio, en un entorno de fotografía se puede unificar la dirección de la luz. Esta diferencia determina la sensación de tridimensionalidad de la figura. En una exposición fotográfica de figma que vi en 2017, me impresionó el trabajo de un fotógrafo profesional que con un único foco resaltaba el contorno de las figuras. No se trata de que más luz sea mejor, sino de que la forma cobra vida cuando la dirección de la luz es clara.
El principio por el que la cámara del smartphone fotografía figuras mejor que la vitrina
El lente gran angular de la cámara del smartphone comprime la distancia entre el sujeto y el fondo. Cuando miramos con nuestros propios ojos frente a la vitrina, entran en nuestro campo visual otras figuras detrás, el patrón del papel tapiz, las esquinas de las estanterías, pero la cámara elimina el fondo con el diafragma y la distancia focal. El modo retrato que incorporan los smartphones desde el iPhone 12 Pro de 2020 también funciona para fotografiar figuras. El efecto de desenfoque del fondo convierte a la figura en la protagonista.
El ángulo de visión del lente también importa. Si fotografías de cerca con un gran angular de 24mm (equivalente a 35mm), la figura se ve distorsionada. Especialmente las figuras pequeñas de escala 1/8 o menor: la cabeza se agranda y las piernas se acortan. Hay que dar un paso atrás y fotografiar con un ángulo de visión estándar de 50mm o más para transmitir la forma sin deformación. Los smartphones insignia desde el Galaxy S21 incorporan lentes telefoto 2x de serie, lo cual es ventajoso para fotografiar figuras. Yo todavía fotografío con el zoom 2x del iPhone.
La compensación de exposición también cambia la impresión. La cámara del smartphone básicamente intenta iluminar toda la pantalla. Si fotografías un personaje con blusa blanca, los detalles de la ropa se queman; si es ropa negra, todo sale con un tono grisáceo. Si bajas el control deslizante de compensación de exposición unos -0.7, los colores se intensifican y las luces y sombras cobran vida. Recuerdo que al fotografiar el Nendoroid de Izumi Sakura en 2018, con este método logré capturar correctamente el negro del uniforme escolar.
La diferencia que hace un LED: la gramática del ángulo y la altura
Con un solo flexo LED blanco el nivel de fotografía cambia. La luz fluorescente que cae desde el techo crea sombras bajo el rostro de la figura. Debajo de los ojos se ve oscuro y bajo la barbilla se ve negro. Si colocas el flexo LED en una posición a 45 grados del frente de la figura, 30 grados por encima del nivel de los ojos, el rostro adquiere una sensación tridimensional natural. Recuerdo que al fotografiar por primera vez el Tosaka Rin escala 1/7 edición 2015 de Alter, solo ajustando la altura de la luz logré resaltar el brillo en los ojos.
La distancia también importa. Si colocas el LED a menos de 30cm de la figura, la luz es tan fuerte que los brillos se queman; si lo alejas más de 1m, la luz es tan débil que todo queda oscuro. La distancia adecuada es de 50 a 70cm. Yo uso un flexo LED de pinza para escritorio fijado al borde de una estantería. Basta con un producto que permita doblar el ángulo libremente y ajustar la altura. Los productos de 20.000 wones también sirven para fotografía si tienen función de ajuste de temperatura de color.
La temperatura de color básica es 5000K luz diurna. La luz cálida de 3000K se ve acogedora pero cambia el color original de la figura. Especialmente la piel blanca o la ropa en tonos pastel claros salen amarillentos. La luz blanca fría de 6500K da una sensación fresca y refrescante pero el tono de piel se ve pálido. Hay una razón por la que la mayoría de las fotos oficiales de productos de Good Smile Company se toman con iluminación de alrededor de 5000K. Una temperatura de color neutral muestra los detalles del pintado de la forma más honesta.
Kamitsubaki City Under Construction Rime Tanioki 1/7 Scale Figure →Lo que cambia con un solo fondo: la elección entre papel Kent blanco y terciopelo negro
Los fondos de fotografía se dividen en dos grandes categorías: fondo blanco antirreflejo y fondo negro de absorción de luz. El papel Kent blanco hace que la figura se vea brillante y limpia. Combina bien con figuras deformadas como Nendoroid o figma, y personajes con ropa de colores claros. Superponiendo dos hojas de papel Kent tamaño A3 y montándolas en curva se crea un set de fotografía improvisado. Al fotografiar el Nendoroid de Kaguya-sama en 2021 usé este método para eliminar el fondo.
La tela de terciopelo negra absorbe la luz y oscurece completamente el fondo. Se usa con figuras de armadura con muchas partes metálicas, personajes con ropa oscura, o cuando quieres enfatizar una atmósfera afilada. Recuerdo que al fotografiar el Saber Alter escala 1/8 edición 2013 de Alter, con un fondo negro resalté el brillo plateado de la armadura. La tela de terciopelo se vende en Daiso a 3.000 wones el metro. La clave es guardarla extendida para que no se arrugue.
También vale la pena probar fondos degradados. Fondos que se difuminan de blanco a gris, o que van de celeste a blanco, dan sensación de espacio a la figura. El papel de fondo infinito (seamless paper) que usan los fotógrafos profesionales se consigue desde 20.000 wones el rollo de 1m de ancho, pero es excesivo para un coleccionista común. Si pides papel degradado tamaño A2 por internet cuesta 2.000 wones la hoja. Con una hoja alcanza para fotografiar una o dos figuras escala 1/7.
Lo básico de la composición: las figuras no se fotografían de frente sino a 15 grados de ángulo
La mayoría de los principiantes fotografían las figuras de frente. Colocan la base de frente y la cámara horizontalmente de frente. Fotografiado así queda plano y sin gracia. La figura es una forma tridimensional pero se ve como una ilustración 2D. Si giras la figura entre 15 y 30 grados, la silueta lateral cobra vida y se revelan los pliegues de la ropa y el flujo del cabello. Al fotografiar el Asuna escala 1/7 de Kotobukiya en 2016, lo giré 20 grados a la derecha para resaltar las líneas de los pliegues de la falda.
La altura de la cámara también importa. Si fotografías al nivel de los ojos da la sensación de cruzar miradas con el personaje. Si miras hacia arriba desde un ángulo bajo (low angle) el personaje se ve imponente; si miras hacia abajo desde un ángulo alto (high angle) da una impresión tierna y frágil. Las figuras pequeñas de escala 1/8 o menor ganan presencia si se fotografían en ángulo bajo. Para el tamaño figma hay que fotografiar con la cámara casi pegada al suelo para que sea dramático. Yo pongo el smartphone en el suelo y fotografío con temporizador.
La regla de los tercios es la más segura. Si colocas el rostro o el eje central de la figura en uno de los cuatro puntos donde se encuentran las líneas que dividen la pantalla en tres horizontal y verticalmente, queda estable. Genera más tensión que la colocación central, y al crear espacio vacío en el fondo la vista descansa. Recuerdo que al fotografiar el set Rem & Ram escala 1/7 de Max Factory en 2019, coloqué las dos figuras en los puntos de los tercios izquierdo y derecho para lograr equilibrio.
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[Bonus] Brown Dust 2 Scheherazade - Code Name S ver. Special Edition w/Acrylic Display Case 1/7 Complete Figure →Hasta dónde se permite el postprocesado: el límite entre ajuste de color y filtros
El retoque posterior a la fotografía es esencial. Los colores que ajusta automáticamente la cámara del smartphone no siempre son precisos. Especialmente si fotografías con fondo blanco, todo se ilumina y el color de la figura se destiñe. Si bajas la exposición entre -0.3 y -0.7 y subes la saturación entre +5 y +10, se acerca al color original. Al fotografiar el Nendoroid de Hoshino Ai en 2020, el morado del cabello salió gris y tuve que subir la saturación hasta +15.
Si aumentas el contraste, la sensación tridimensional se intensifica. Pero si lo subes más de +20, los brillos se queman y las sombras se aplastan. Alrededor de +10 es el límite adecuado. Si usas apps que permiten ajustar brillos y sombras por separado (Snapseed, Lightroom Mobile) puedes afinar con más precisión. Yo bajo los brillos entre -10 y -15 para resaltar los detalles de las blusas blancas, y subo las sombras entre +5 y +10 para rescatar información de las partes oscuras.
Uso filtros con cautela. La mayoría de los filtros básicos de Instagram exageran los colores o añaden un toque vintage. Evito los filtros que distorsionan el pintado original de la figura. Filtros de intensificación de saturación como "Vivid" o "Pop" hacen que los colores resalten demasiado y se vean baratos. Filtros de blanco y negro como "Noir" o "Mono" son dramáticos pero hacen desaparecer los detalles del pintado. Yo uso sin retoque (Original) o filtros que solo permiten ajustes sutiles. Al fotografiar un garage kit que compré en Wonder Festival en 2018, el hecho de resaltar los colores originales sin filtros fue lo que curiosamente recibió elogios.
El momento en que la afición por la fotografía te hace ver las figuras de nuevo
Cuando empiezas a fotografiar, ves las figuras de manera diferente. Al ponerlas en la vitrina solo ves la silueta general, pero al mirar por el visor de la cámara ves los detalles. Las partes transparentes en las puntas del cabello, el degradado del forro de la falda, el rosa claro pintado en las uñas. Al fotografiar el Sakura Kyoko escala 1/8 de Alter en 2017, descubrí el degradado de sombras oculto dentro de los pliegues de la falda. Había estado exhibida en la vitrina durante tres años y nunca había visto ese detalle.
Si cambias el ángulo de la luz, se revela la intención del escultor. Un rostro que bajo luz frontal se veía plano, bajo luz lateral cobra vida con la altura de la nariz y la curva de las mejillas. Los escultores originales de figuras modelan asumiendo un entorno de iluminación específico. Los focos de una sala de exposiciones, la luz que cae desde arriba en una vitrina. Al fotografiar e iluminar desde varios ángulos llega un momento en que piensas "ah, así es como querían que se viera". Al fotografiar el Kasumigaoka Utaha escala 1/7 de Good Smile Company en 2019, cuando iluminé desde 45 grados arriba a la izquierda, las ondas del cabello cobraron vida de forma dramática.
El registro fotográfico también influye en las decisiones de compra de figuras. Si comparas las fotos del prototipo decorado que viste en la etapa de reserva con las fotos que tomas tú mismo del producto de producción en masa, la brecha se ve claramente. Al recibir y fotografiar una escala 1/7 de cierto fabricante en 2020, el degradado de los ojos que era nítido en el prototipo estaba borroso en el producto de producción. Desde entonces soy más cauteloso al reservar nuevos lanzamientos de ese fabricante. La fotografía agudiza la vista del coleccionista.
"Azur Lane" I-404 Dance of Crimson Strings Ver. 1/6 Complete Figure Special Edition w/Display Case →Cómo dominar lo que tienes en mano antes de aumentar el equipo
Si vas a comunidades de fotografía, se habla de DSLR, sin espejo, lentes macro, trípodes, cajas de luz. Pero puedes empezar solo con un smartphone, un flexo LED y papel blanco. Una foto de figura que tomé con un iPhone 6s en 2015 todavía está fijada en la parte superior de mi Twitter. No es el equipo, sino la dirección de la luz y la composición lo que decide.
La habilidad fotográfica no crece con el equipo sino con la cantidad de ensayo y error. Prueba tomar 50 fotos de la misma figura de una vez. Ilumina desde la izquierda, derecha, arriba, frente; coloca la cámara al nivel de los ojos, en ángulo bajo, en ángulo alto; cambia el fondo a blanco, negro, gris. De 50 fotos, unas 10 valen la pena, y de esas, 1 vale la pena subir a redes sociales. Solo después de tomar más de 100 fotos del Yuuki Asuna escala 1/8 de Kotobukiya en 2018 encontré la composición correcta.
Ver las fotos de otras personas también es estudio. Sigue el Twitter oficial de Good Smile Company, el blog oficial de Alter, el hashtag japonés de fotografía de figuras (#フィギュア撮影). Si comparas fotos profesionales con las tuyas, ves qué te falta. Dirección de luz, tono de fondo, composición, exposición. En 2019 vi la foto de figura de un coleccionista japonés y aprendí "fondo negro con luz lateral", y con ese método mi nivel de fotografía subió un escalón.
FAQ
¿Es suficiente con la fotografía de smartphone? ¿Es imprescindible una DSLR?
Con un smartphone es suficiente. Los smartphones insignia desde 2018 permiten ajustar manualmente diafragma, obturador e ISO, y montan lentes telefoto de 2x o más. Como las figuras no se mueven, si tienes cuidado con el temblor de manos salen nítidas. Las DSLR son superiores en desenfoque de fondo y rendimiento en baja luz, pero la inversión inicial es de más de 500.000 wones. No es tarde para dominar primero la fotografía con smartphone y aumentar el equipo cuando sientas sus límites.
¿Qué producto de iluminación LED debería comprar?
Basta con un flexo de escritorio tipo pinza que tenga función de ajuste de temperatura de color y permita doblar el ángulo libremente. Productos con brillo de 500-1000 lúmenes y ajuste de temperatura de color de 3000K a 6500K se consiguen por 20.000 a 30.000 wones. Los aros de luz o softboxes especializados para fotografía cuestan más de 50.000 wones, pero no son necesarios desde el principio. Puedes usar un LED de pinza durante más de un año y luego actualizar.
¿Dónde consigo fondos? ¿Necesito un set de fotografía dedicado?
Si compras papel Kent o cartulina blanca tamaño A3 en una papelería cuestan 1.000 wones la hoja. Si colocas dos hojas en forma de L se convierte en un fondo improvisado. La tela de terciopelo negra se consigue en Daiso o tiendas online de telas por 3.000 a 5.000 wones el metro. Los sets de fotografía dedicados (cajas de luz) se consiguen desde 30.000 wones, pero las figuras grandes de escala 1/8 o más no caben. Es más flexible montar un fondo de papel sobre un escritorio.
¿Qué app de retoque uso?
Recomiendo Snapseed y Lightroom Mobile. Ambas son gratuitas y permiten ajustar con precisión exposición, saturación, contraste y temperatura de color. Snapseed tiene una potente función de retoque parcial que permite iluminar solo el rostro de la figura o oscurecer solo el fondo. Lightroom permite guardar presets de color (filtros) y aplicarlos en lote a varias fotos. Evita los filtros básicos de Instagram porque distorsionan los colores originales de las figuras.
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Fotografiar es disfrutar las figuras dos veces. Una vez frente a la vitrina, otra vez dentro del visor de la cámara. Es la misma figura, pero con un solo ángulo de luz cambia la impresión, y con una sola composición crece la presencia. No es el equipo, sino la altura de la mirada y la dirección de la luz lo que decide la fotografía. Espero que hoy también lleguen buenos encuentros a vuestras vitrinas.
